【FB專頁閒聊文】二次元文化中的古典樂

【閒聊：二次元文化中的古典樂】

各位晚安，這裡是正在研究RGSS3的主管。雖然不是完全對程式語言沒概念，不過終究不是自己專業。而且以前用RM的時候沒用過腳本，所以算是第一次碰這個。姑且會弄一點東西了(?)

因為前幾天有人說主管我太小看古典樂了，主管我是自認一直抱持著謙虛的態度在接觸古典樂啦，不過今天來發這篇講一下好了，各位來跟著主管我一起上音樂課吧。當然主管我不管接觸作品還是對待音樂都是採取知道就知道、不知道就不知道的態度，我講出來的東西一定自己會做過功課，各位在此以前也聽過一些主管我的二次編曲了，應該不至於懷疑我的音樂能力吧…雖然總和能力來講還是低下，這點我要承認。
是的各位，古典樂是非常有學問而廣博精深的東西，的確主管我也不能說是很懂古典樂，我只是從學習古典鋼琴起家而已。至於為什麼深奧？因為我們所定義的「古典樂」，只是相對於現代而言是較久以前的作品，時間軸可以追溯到西方的中世紀，範圍涵蓋數百年。而東方這一帶在西方七音音階傳入前，都是以我們的五聲音階為系統的民族音樂為主。
而古典樂之所以重要，就是因為從那時一直傳承下來的內容，形成了現代音樂創作的理論與核心基礎，和聲學、對位法、配器學、曲式學、聲樂……甚至於樂團指揮的指揮手法也是。音樂是一種不停累積的東西，而透過前人作品持續學習，吸收之後轉換為自己的曲風。我們作曲家，就是這種生物。國高中的音樂課本充其量所能告訴各位的只有歷史，除非高中是音樂班。

往前追溯的話音樂分為許多流派，各位可能在國高中課本也有看過，文藝復興、巴洛克音樂、古典樂派、浪漫樂派、印象樂派以及時間較晚的現代樂派。多嘴一句，教主管我作曲的音樂系朋友前幾天才丟了一首新的作品給我，是印象派的風格。

這些時期所各自流行的風格自然也不盡相同。
巴洛克時期指的是約17世紀左右的音樂，如果要以兩個字來形容巴洛克音樂，那就是「華麗」。巴洛克音樂講求形式的美，確立了一些樂曲的調式，愛用對位法、賦格等創作形式。這個時期的音樂對於後人學習樂理也有相當的幫助，例如各位很常聽到的約翰．巴哈，他的十二平均律曲集，在對於學習基本和聲學與訓練相對音感上就有相當的幫助。而數字低音，這項學習和聲學的重要關鍵，也是巴洛克音樂的特色之一。主管我曾經看過一個說法，如果說和聲學是上下音符之間的運算，那對位法就是數段旋律的橫向運算。這兩項是創作音樂的最重要基礎。
（可能有人看不懂何謂和聲學與對位法。
所謂和聲，代表兩個或兩個以上的音同時發出聲響。而和聲學即是在探討這些音程的關係，而且就是站在平均十二律的基礎上，延伸探討至和弦的進行規則與數字低音、和聲外音等等。
所謂對位法，是基於和聲學而發展出的一種樂理，也是巴洛克音樂的複音音樂的重點。對位法掌握純熟的作曲家可以將數段各自有主題的動機彼此交錯而成，卻不影響和聲與節奏乃至整體樂曲的美感。

補充，那為何會有人說和聲學是上下關係，可能有人不懂樂譜所以無法理解。因為在五線譜上，縱軸相同的音是同時演奏的，也就是我們所謂的和聲。雖然這部份還可以擴及到分解和弦與琶音。）

古典時期指的大約是18世紀中葉至19世紀的時間。這邊要注意的是，古典音樂≠古典樂派。古典音樂是一個廣義的形容詞，上面已經解釋過了，而古典時期是其中的一段時期。
受到歷史影響（法國大革命、美國獨立），於是這段時期的樂曲也摻入了自由這樣的色彩。有個滿有名的事情是，貝多芬的第三號交響曲原本要獻給「英雄」拿破崙，事後卻得知拿破崙稱帝而憤怒的貝多芬挖去了樂譜封面的曲名。巴洛克可以算是一種宮廷音樂，而古典時期因為歷史背景而跳脫了這種框架，音樂也可以算是從這個時期開始逐漸為一般人理解。這段時期的音樂以主調音樂為主。主調音樂是相對於複音音樂的一種形式，複音音樂是將多段旋律以對位法排列組合，主調音樂則是以某種領導樂器（Leader）演奏主旋律，其他的聲部全部只用於和聲的伴奏。最重要的樂曲形式就是交響樂，各位曾經聽過的交響樂之父海頓、樂聖貝多芬都是這個時期的音樂家。主管我在這專頁選擇使用的暱稱ルドヴィカ就是來自某本輕小說竄改了貝多芬的全名「路德維希．范．貝多芬」後而來的，其中一個理由是貝多芬是主管我個人最喜歡的古典樂作曲家。

浪漫時期大約在十九世紀初直到二十世紀。古典時期受到各種啟蒙的影響，樂曲大多有理性的色彩，而浪漫時期的音樂則是重視個人情感的表達。古典時期時常使用的交響樂這種龐大的編曲工程在浪漫時期漸漸會較為少見，但不是完全消失，各位要記住我開頭所說的，音樂是一種不停傳承與累積的東西。
浪漫時期的獨奏曲開始崛起，而知名小提琴家帕格尼尼也是這時期的人，他將小提琴的地位從交響樂的伴奏提升到了領導樂器；創作了炫技曲「超絕技巧」七曲的李斯特同樣也是這時期的鋼琴家。

浪漫主義後來延伸出了講究傳統音樂的國民樂派與印象樂派。至此其實早期的和聲學已經不太能完全適用於印象樂派的和聲，這個時期的代表作家為德布希與拉威爾。後者是我那位音樂系朋友十分喜愛的作曲家，他每次找範例給我聽大多都是拉威爾…相比李斯特純粹的炫技，拉威爾的曲不僅演奏難度高，更有著聲部的處理精細之長處。還記得我第一次跟那個音樂系朋友見面的時候，他演奏的曲就是拉威爾的「水之嬉戲」。

這邊順便再提一下以前曾經講過的事，「學樂器」與「學音樂」這兩件事情沒辦法劃上等號。會樂器的人未必會作曲，會作曲的人未必演奏技巧高超。一個交響樂團的指揮也不一定會演奏所有樂器，但是他至少要懂每種樂器的特性。有些人會認為自己學過鋼琴就叫作學過音樂，大錯特錯啊諸君。你在彈鋼琴的同時可以從五線譜與音符中感受到多少，這才叫做學音樂。不然你就只是看著譜演奏而已，只是這樣「而已」。
另外鋼琴的學習自然是推薦以古典鋼琴／爵士鋼琴為主，其中的難度是古典爵士＞古典鋼琴＞流行爵士，兩者所看的譜也不同，個人會推薦學古典鋼琴。不僅可以幫助視譜能力，也可以直接從鍵盤上音與音的距離來了解和聲學。

之後音樂逐漸發展到我們現代，電子音樂、藍調爵士、搖滾等等各式各樣風格的音樂如雨後春筍般崛起。現在的音樂較為通俗，有許多未必講究樂理的高超，但往往我們作曲家還是需要學習樂理來讓自己的作品更加出色。即使是不及古典樂難度的鋼琴曲，其中也可能有著和聲學的美。這部分主管我也曾經提過，以區域來講的話，歐美那一帶的作曲家還是會有「必須要有古典樂基礎」這樣的潛規則與共識，但日本的作曲家卻未必如此。

各位可能覺得反正自己沒學過鋼琴還是其他樂器，怎麼會聽過古典樂呢，大錯特錯，古典樂到處都是啊各位。舉例來講，有些場面比較壯大的作品常常就會選擇交響樂來作為配樂使用。因為古典樂已經超越了現代智慧財產權法律所保護的時間很久了，於是現代作曲家大多可以對這些古典樂自由進行重新演繹，甚至創作出融合風格的現代古典樂。而古典音樂所使用的理論，至今的音樂中也處處都是。你也許以為自己沒學過樂理就能創作，代表你的音樂就是跳脫了樂理框架，非也，只是因為你不知道框架在哪，所以自認為超出了框架而已。

先來講主管我個人可以想到最多古典樂的專輯。
由AKABE2所發售的遊戲「G線上の魔王」，其實遊戲標題就已經古典樂了。「G弦上的詠嘆調」就是出自約翰巴哈的管絃樂組曲，這首樂曲本身在該遊戲的專輯中有多達七種類的編曲。該張專輯中還有蕭邦的「革命」、貝多芬的9號交響曲、韓德爾的歌劇「Rinaldo」…整張專輯擁有大量的古典樂。
而在日常系推理小說改編而成的動畫「氷菓」當中，該動畫的作曲家田中公平也有將G弦作為BGM使用，那是以大提琴為主軸的編曲，另外還有一首大提琴獨奏組曲，同樣出自巴哈。

另外在ケロQ／枕的近年作品中有起用一位名為「松本文紀（szak）」的作曲家，在專頁也多次提過他。
10年的「素晴らしき日々」裡，他就使用了20世紀作曲家艾瑞克薩堤的「Piccadilly」、「The Dreamy Fish」等曲子。而在去年的遊戲「向日葵の教会と長い夏休み」當中也有一首「夏の木陰」，這首是改編自貝多芬的悲愴奏鳴曲第二樂章，以吉他來重新詮釋。

至於會創作古典樂的裏界作曲家，之前曾經提過的Angel Notes當中有兩位都曾經有這樣的表現。像是伊福部武史在「暁の護衛」當中的小提琴獨奏曲「追憶」，還有森まもる在ALcotハニカム作品的四重奏「はるかかなた」。最近的新作「魔女こいにっき」裡面也有一首出自樋口秀樹的管絃樂「舞踏会の時を告げる」。
而說到對位法的使用，神秘的鋼琴家安瀬聖有「太陽のスケッチ」與「プレリュード」這兩首現代巴洛克風格的鋼琴曲。為什麼說這兩首是巴洛克呢，最明顯的特徵就是此兩曲都遵守了嚴格對位法，但旋律的色彩及和聲卻帶有現代風格。純粹以鋼琴與弦樂的應用來講，安瀬大媽已經出神入化了。如果這兩首鋼琴曲各位無法感受出來什麼叫做「對位法」，那推薦你再去聽她的「別れ、そして出会い」，或者是「夢のかたち」這幾首提琴重奏。

如果有人看完的話，主管我會很高興的(?)
我想說的是，古典樂的學問真的很大，所以有些人會不接觸古典樂就進行創作，但有古典樂基礎所創作出來的作品卻可以明顯讓人感受到差異。
各位，我們作曲家不可能小看古典樂的，絕對不可能。
不如說，沒學音樂的人不可能比我們作曲家還要更尊敬這些前輩了。